NU METAL: una combinación poderosa...

Es un género relativamente nuevo. Sus inicios se remontan a los últimos años de la década de los 90's. Etimológicamente Nu Metal proviene de la confluencia de Nu (o New), haciendo referencia a la aparición de una nueva versión del Metal. Sin embargo, conforme fueron saliendo a la luz diversas bandas bajo el rótulo de este género se pudo dilucidar que el Nu Metal cuenta con una gran cantidad de influencias como el Funk, el Grunge y el Rap.
    Una gran cantidad de bandas han logrado un alcance comercial astronómico para tener tan pocos años de creado el géneros. Grupos que han conquistado las emisoras radiales y los soundtrack de varias películas: Linkin Park, Limp Bizkit y Korn. De las más populares, sin embargo yo tomaré en cuenta otras dos para efectos de este post.

1) Rage Against The Machine (RATM), enclaustrados en definiciones del tipo rap metal o metal alternativo que no son más que una de esas confusiones a las cuales se presta el Nu Metal, se han ganado un espacio alucinante a pesar de un sinnúmero de peros. Americanos, de Los Ángeles (quizá una de las ciudades más burguesas de dicho país), pero comunistas hasta el tuétano. No se sonrojan en mostrarse contestatarios en cada de una de sus canciones, dicha característica tal vez los hagan más atractivos.
    Su ritmo puede mostrarse en algunos casos hasta "bipolar". Del suspenso de un bajo prometedor saltar al desenfreno y la locura que inspira el metal en su más gruñona versión. Sus conciertos suelen estar atiborrados de una vorágine de almas enloquecidas que ni los más fornidos VIP's pueden controlar.
    Escuchar a RATM te hará saltar, mover el cuello y gritar. Son la reencarnación de la protesta en su versión menos amable, son el altavoz del puño en silencio. Un grito desaforado en una jungla de silencio.



Cada concierto es un acto de protesta. Para muestra la letanía que Zack De La Rocha (vocalista) repite en cada presentación:

 "They have deadly weapons with which to inflict pain on the human body. 

They know how to bring about horrible deaths. 

They have clubs with which to beat the body and the head. 

They have bullets and guns with which to tear holes in the flesh, to smash bones, to disable and kill. They use force, to make you do what the deciders have decided you must do". 

2) Datan del 2001. Argentinos y se llaman Carajo. La temática de sus canciones gira en torno a la pobreza, desnutrición e injusticia. Digamos que tiran hacia una izquierda moderada (por no decir caviar). Su música se desarrolla con mucha influencia del Heavy Metal, Grunge y el Alternativo Americano de inicios de los 90's. 

    Son el ejemplo más claro de la corriente migratoria que significó el Nu Metal sobre latinoamérica donde ha alcanzado una inmensa aceptación por parte del público y la prensa.

ROCK ARGENTINO (PARTE II): las grandes bandas...

La escena musical argentina no se desarrolló distanciadamente de la aparición de los géneros que iban dominando la esfera roquera. A la par con la irrupción de los "géneros de vanguardia" Argentina iba botando grupos que la ponían al día. De esa manera es que este recuento se remonta a inicios de los 80's.

1) Todo empezó de casualidad. Una verano cualquiera en Punta del Este se encontraron dos jóvenes músucios que varaban por ahí con sus bandas de medio pelo. Un tal Gustavo Cerati y un Héctor "Zeta" Bosio se hicieron amigos en aquella turística ciudad uruguaya. Coincidieron en géneros musicales y bandas, principalmente en un gusto que la iba rompiendo en los 80's: New Wave, que por aquel entonces estaba siendo mejor representado por The Police. 

    De este encuentro casual nació Soda Stereo, quizá el grupo de rock argentino que mayor éxito ha alcanzado hasta hoy. Su popularidad se estiró por todo latinoamérica. La travesía se inició y se desarrolló de la nada, impactando a las masas con su álbum Nada Personal, luego con clásicos como Persiana Americana hasta la aparición de su álbum Canción Animal que tuvo como principal guerrero a la genial De Música Ligera a partir de la cual nacería una carrera meteórica que los llevó a convertirse en leyenda. 

2) La población argentina siempre se ha caracterizado por ser de las que mejor han sabido consiliar con el hard rock y power metal a nivel sudamericano. De esta conciliación que generaría una hermandad casi eterna con el género nace Rata Blanca.



Con un estilo musical que traía reminiscencias del hard rock que se venía desenvolviendo en el escenario español, alcanzó gran éxito tal vez sin tanto rebote como Soda, a pesar de eso es considerado como una banda de culto por algunas personas.
    En la actualidad parece haber encontrado su punto en la desgarradora voz de Adián Barilari. Caseritos de realizar conciertos en el Perú, donde tienen gran aceptación, Rata Blanca estruendosa y todo, sigue encantando.

3) Siempre perfil bajo. Dentro de este repaso de géneros no podía faltar el siempre subversivo Punk. Y no cabe dudas de que la mejor banda Punk argentina, teniendo en cuenta que no son pocas, ha sido, es y quien sabe si será, Attaque 77. Con conformaciones volubles que han ido alterándose con el correr de los años, nunca han cambiado su estilo: una mezcla de desenfado protestante y un ritmo melódico y hasta nostálgico.
    Se han ido ganando respeto de ha pocos. Quemando todas las etapas que una banda debe quemar (desde telonear modestamente a The Ramones a mediados de los 90's hasta llenar el Luna Park hace un par de años).
    Claramente influenciado por los clásicos del género como The Ramones, The Clash y toda la movida Punk británica de los 70's, sabrán mantenerse sin hacer variantes. Tienen la ventaja de poder darnos lo que nos gusta sin tener que hacer cambios.


  

ROCK ARGENTINO (PARTE I): los solistas...

Todos tenemos un argentino dentro de nuestras casas. Un póster del Che, un CD de Charly, nuestros abuelos un vinilo de Gardel, un libro de Cortázar, videos de Maradona y un largo etcétera. En el plano musical esto no ha sido la excepción. El gran escenario roquero que significó 'La Argentina' (como les gusta llamarse a ellos mismos) durante los años ochentas, bien respaldados por las apariciones de Sui Generis y el 'Flaco' Spinetta, para latinoamérica ha provocado que la generación de melómanos de hoy en día tengan dentro de su repertorio a un argentino por ley.
    Y aquí me puedo explayar porque particularmente pasé la mayor parte de la secundaria escuchando canciones de Fito Páez y Calamaro, los más grande acólitos de la escuela que impuso Charly García. También recuerdo una infancia plagada de canciones de Soda Stereo. Pero aquí el recuento...

1)Charly García. Un demente total. Un flaco bigotudo que parece haber vivido casi toda su vida en medio de una insania colosal, porque para él "la locura es poder ver más allá" y se inmoló a los acordes y a la elaboración de una música principalmente agradable, pues "la letra es generalmente un complemento".
    Su viaje empezó con los entrañables Sui Generis que lideraba Nito Mestre y que encandiló a la afición argentina setentera con un folk rock bastante sentimental. Fue así que a fines de los 70's formó Serú Girán, donde ya consolidado mostró influencias del hard rock que se encontraba en pleno boom, fusionándolo con unos toques de jazz en ciertas canciones.
    Luego de esto, a inicios de los 80's Charly comenzó una exitosa, voluble, frenética y demencial carrera como solista que lo llevaron a lanzarse de hoteles y caer internado por sobredosis en innumerable cantidad de ocasiones.



2)Reclutado para la segunda etapa de Los Abuelos De La Nada, por sugerencia de Zeta Bossio (guitarrista de Soda Stereo), Andrés Calamaro entró como un joven entusiasta influenciado por los tangos de Gardel y el funk de James Brown. Así es como se ganó un espacio en el boyante escenario roquera de Argentina y empezaría una grandiosa carrera que lo llevó a liderar Los Rodríguez, la memorable banda de rock argentino-española que lo terminó consolidando durante la primera mitad de los 90's. Luego se las arregló solo y supo brillar.



 3) Un multinstrumentista. Luego de pasarse toda la etapa escolar admirando las canciones de The Beatles e interpretando las de Sui Generis, Fito Páez se embarcó en la travesía de ganarse un espacio en la escena roquera argentina. Formando y deshaciendo una gran cantidad de bandas, que influencias musicales de todo tipo (desde Deep Purple hasta el folclor argentino). Luego de llevar una vida desenfrenada a inicios de los 80's, formó una dúo con su amigo Juan Carlos Baglietto. Con él empezaría cobrar notoriedad dentro del circuito de músicos argentinos. Con el paso de los años se volvería amigo de Charly García, compondría Mariposo Tecnicolor, su más grande hit y alcanzaría reconocimeinto a nivel internacional. El resto de la historia es conocida.


   

INDIE AMERICANO (PARTE II): "...y se convirtió en mainstream..."

Como una ebullición de lo que se venía cocinando a inicios de los 80's, una máquina del tiempo destinada a estallar, el Indie se terminó posicionando como el género de bandera de la primera década del 2000 (viéndolo ya como un género sin un sonido enclaustrado). El Indie , gracias a la versatilidad de sus ritmos, lo cual ocasiona que se roce con muchos otros géneros, se ha expandido en los reproductores de casi toda la población joven. Convirtiéndose en un mainstream de la década, sigue la senda de los que se volvieron clásicos, aunque, cierto es, aún tiene mucho camino por recorrer. Todo está en manos de sus exponentes.

De esta forma, el paso del tiempo terminó bifurcando el camino de los sonidos con los que se iba a posicionar el Indie. Y en Estados Unidos precisamente, el país bandera del Electropop (amantes todos de los samplers, los sintetizadores y las cajas de ritmos), se consolidó un sonido Indie que mezclaba la herencia rockera cuasi alternativa de los 90's llevada de la mano por los ritmos electrónicos que le dotaban mayo estética a sus sonidos. De esta forma la estética empezó a ser relevante para algo más importante que e

INDIE AMERICANO (PARTE I): "...no fue el mejor terreno..."

Sonic Youth con Kim en su paroxismo

El Indie no es un género musical. El Indie empezó simplemente como la referencia lingüística que se usaba a la manera en la que se producía musicalmente un grupo. La principal característica era el hecho de que hicieran sus propias grabaciones o firmaran con discográficas independientes (de donde proviene el término Indie). La cuestión es que con el tiempo se convirtió en algo más que la producción musical de un puñado de bandas, se convirtió en un su actitud, fuera de los parámetros convencionales que presentaban la mayoría de artistas.
    De esa manera a mediados de los 80's ese "movimiento" entró con fuerza en los ambientes musicales tanto de Inglaterra como de Estados Unidos, ergo, del mundo.
  
A lo largo de los años su mutación ha sido bastante marcada. Empezó con bandas que presentaban sonidos dispersos. Por lo menos en Estados Unidos, empezó como un rock bastante noise, que no perseguía prototipos estéticos. Un ejemplo claro de esto último fue la incursión de Sonic Youth, bajo el perforador ritmo de Kim Gordon.
     No puedo hablar de un grupo representativo que haya dado inicio a este estilo. Sin embargo, si me remonto, lo más resaltante que puedo encontrar es precisamente a Sonic Youth. El grupo se inicio en los años 80's con un sonido que parecía heredar de la movida post punk pero que presentaba matices experimentales. Sin duda lo más atrayente del sonido que generaron fueron los delirantes solos de Kim Gordon, considerada una de las mejores guitarristas de la historia.
    Quizá Estados Unidos no fue el mejor lugar para el surgimiento de el Indie en los años 80's. Sin duda el mainstream que imponían las discográfica minaban el campo para el surgimiento de una música y un look tan diferentes. De esta época también vale recordar a Yo La Tengo, otro grupo que se mantiene vigente en la actualidad. Algunas de sus canciones presentan un sonido un tanto pop, sin embargo muchas de ellas también presentan un ritmo demencial que al ser considerado de inclasificable entraba en el rango Indie de la época.

Lo cierto es que no cabe duda de que bandas como estás se dedicarían a cultivar el terreno que en la actualidad es muy bien explotado por bandas que han alcanzado un gran nivel con el género. Se han dado la tarea de convertirlo en género, de trabajar la estética del estilo, siempre raros, siempre Indies.

Lista de sugerencias:

1) Sonic Youth: http://www.youtube.com/watch?v=0OdSoKfTP1k&translated=1   "Kool Thing" uno de los videos que mayor aceptación tuvo, mostrnado algo de la herencia punk y del instinto indiferente de los indie.

2) Yo La Tengo: http://www.youtube.com/watch?v=SgSjn_5L5xo&translated=1  una tendencia más pop, que luego se va a ver en psoteriores bandas.     

ELECTRÓNICA: una caja de pandora

La Música Electrónica data de hace varias décadas. Su historia es bastante larga y ecléctica. La hemos oído insertada en prácticamente cada uno de los géneros existentes, desde el rock con ejemplos tipo Emerson, Lake & Palmer pasando por géneros más contemporáneos como el Hip Hop e incluso la música clásica.

Con el paso de los años, la Música Electrónica fue gestando diversos subgéneros que de manera particular adquirieron gran relevancia: el synth pop, techno, trance, electropop y un largo etcétera.

1)Trance. Sin duda el subgénero más relacionado a las fiestas, siempre presente en cuanta "rave" se arme. Asociado también al consumo de drogas sintéticas, el Trance suele presentar melodías largas con sonidos creados en una caja de ritmos. Dentro de esa variante sin duda Dj Tiesto es el pinchadiscos más representativo. Presente en casi todos los Creamfields (tal vez el más grande festival de Música Electrónica) que se desarrollan al rededor del mundo.

2) Es tal vez el subgénero que más se expandió. A nivel nacional, sobre todo en las discotecas del interior del país, el Techno adquirió una gran popularidad. Moby, con una tendencia un tanto más pop, se alza como el más representativo en esta variante. popular, pegajoso y melancólico a la vez. Su ritmo no está determinado por ningún patrón, cada canción siempre podrá sorprendernos.  

3) Derivado de la versión más electrónica del New Wave, el Synth Pop sin hacer mucha bulla ha ido ganando terreno sobre todo por su diversidad de ritmos. MGMT es un dúo de jóvenes que vienen ganándose al público con un sonido que se presenta melancólico.

Empire Of The Sun, muestra un look envuelto en mística

4) Si hay algún género que encabece la pirámide que representa el mainstream hoy en día, sin duda es el Electropop, un género que se disemina por el mundo gracias al afán mercantilista de las discográficas. Generan íconos de la publicidad como Lady Gaga y sus demás acólitos de las polémicas, sin embargo, particularmente, dentro de este género rescato a un par de Australianos que se hacen llamar Empire Of The Sun y que a sus melodías le incluyen reminiscencias de grupos de rock clásico como The Beatles o Led Zepellin. Una buena propuesta a mi parecer.




Lista de Sugerencias:

1)Empire Of the Sun: http://www.youtube.com/watch?v=LDtWfQMhPUQ&translated=1
2)Moby: http://www.youtube.com/results?search_query=moby&aq=f
3)MGMT: http://www.youtube.com/watch?v=w7JthgTMHDU&translated=1

PROTO PUNK: un sonido masoquista

Sin acogida comercial. Vistos como los parias de la industria musical de mediados de los 60's que no acogía a nada que no tuviera que ver con la Invasión Británica o con el Rock Psicodélico y su utópica revolución hippie, un grupo de bandas surgió principalmente al norte de Estados Unidos.
    Liderados por The Velvet Underground, grupo de música experimental que parió a un sonido muy parecido a lo que más tarde sería el Punk, el Proto Punk apareció como un sonido diferente. Nunca llegó a ser considerado un género, entendiendo por "género" a lo extenso que debe ser. Era simplemente un sonido bastante más ruidoso, extraño, que navegaba por el subsuelo de la escena musical con el cartel de "weirdo" mientras el pop británico se diseminaba por doquier y el Rock Psicodélico adquiría fama de clásico. Además de no entrar en el circuito comercial, dicho "sonido" se ganó hasta cierto punto el repudio de la masa: muchas de sus letras versaban sobre droga adicción, homosexualidad y violencia. Es con ese perfil que saltaron a la escena estas bandas, no en contra del sistema sino fuera de él.
    Por mucho tiempo nadie supo cómo etiquetar a este pequeño fenómeno musical, hasta la aparición del Punk nunca se supo cómo nombrarlos, a pesar de que no alcanzaron relevancia comercial su influencia posterior va a ser indudable.

1) The Stooges. Si alguna banda de sonido "Proto Punk" alcanzó cierta relevancia dentro de la industria musical en su momento, fue esta. Es cierto que su sonido colindaba bastante con el hard rock pero eso es algo que se fue dando con el corre de los años y el ascenso del hard, pues en sus inicios The Stooges, liderada por el eterno Iggy Pop, nació como una banda experimental más, cuyo sonido, por aquel entonces considerado agresivo, resultaba "experimental".
    Lo cierto es que a la postre, con el correr de los años la figura de Iggy Pop creció más que la de la banda. Su estilo musical se salió de sus carriles iniciales para dar paseos por el Glam Rock, el Garage y el Hard Rock que es donde se terminó consolidando.

2) Lo único que le faltaba al circuito artístico de New York en los 60's, era una banda musical fuera del circuito. Además de cineastas llenos de fobias, decadentes culturas beat, escritores suicidas, hippies nómadas  y británicos que conquistaban a sus mujeres, le hacía falta esa parte rechazada, negada por la sociedad. Así y todo, envuelto en sus pinchazos de heroína y su difundida promiscuidad, Lou Reed junto a unos cuantos amigos de la universidad fundó The Velvet Underground. La banda apareció en la escena musical de manera disimulada, aún siendo rechazada por las discográficas, tocando temas como el sadomasoquismo.
    Manteniendo el perfil bajo con el que nacieron, The Velvet Underground se convirtió en un grupo de referencia para muchas bandas en una gran cantidad de géneros. Precursores del sonido Proto Punk, muchos grupos de alternativo aseguran que los ven como los padres de su género. Incluso grupos como The Killers, pertenecientes a la comidilla indie actual, han asegurad que si música ha sido gratamente influenciada por los devaneos rítmicos de The Velvet Underground. Nunca serán considerados como una banda clásica, pero nunca nadie se atreverá a negar su trascendencia.

3) Sin duda la más intelectual de la escena musical de aquel entonces. Polémica por sus poemas de estilo beat, exentos de censura alguna, y por sus permanentes desnudos y su afán por demostrar una apertura mental que no iba acorde con su época. Considerada por algunos como la "Abuela del Punk", sobre todo por ser progenitora de aquella actitud rebelde que más tarde los caracterizó, Patti Smith es sin duda una fija dentro de los que piensen experimentar con este sonido.

El Proto Punk nunca se irá, pues de manera intencionada o no, siempre va a estar presente en cada uno de los géneros que imperan en la actualidad.

Lista de sugerencias:

1)Patti Smith: http://www.youtube.com/watch?v=0brHGJ6xqbk&translated=1
2) Iggy Pop and The Stooges: http://www.youtube.com/watch?v=TKYALsp-sIg&translated=1
3) Velvet Underground: http://www.youtube.com/watch?v=AwzaifhSw2c
   

REGGAE: un género idealista

A mediados de los 60's, en Jamaica, hasta entonces una anónima isla caribeña que como todas se caracterizaba por playas agradables, empezó a surgir un género musical bastante llamativo. Con influencias del Ska, Blues y Rock and Roll, el Reggae incursionó con una batería rítmica que alentaba el compás. De esta manera se generaba un tirmo cadencioso que se diseminó por las venas de todas las emisoras.
    La aparición de The Wailers significó una erupción inmensa en el mundo musical. Un género nuevo aparecía sobre la escena y una grupo resultaba ser el abanderado, liderados por un joven conocido como Bob Marley, daban a conocer una nueva temática, una revolución en el ritmo.
    Así fue como el Reggae fue ganando terreno, con la aparición de Gregory Isaacs y la consolidación de Bob Marley and The Wailers. El género alcanzó su pico de popularidad a los 70's, relacionándose bastante con los ambientes rastafaris y extendiendo su popularidad hasta Inglaterra donde caló hondo.
    Con el paso de los años el Reggae evolucionó sacando una variedad denominada Reggae Roots. Una variante que se relacionó más al movimiento rastafari, a la confluencia con el jazz y cuyas letras solían girar entorno a temas como la pobreza, la opresión del gobierno, la marihuana y Jah (Dios rastafari).  ç

1)Hablar de Reggae es indefectiblemente hablar de Bob Marley, no solo máximo exponente y representante del género, además de casi fundador e imagen representativa del movimiento. Un símbolo de paz e idealismo circunda su imagen. Liderando The Wailers supo inmortalizarse, de tal forma que hoy en día muchas de sus canciones, exentas de vanidades y narcisismo, como siempre fue él mismo, son clásicos.
    Su inspiración principal fueron los problemas por los que pasaba Jamaica por aquellos años: violencia política y guerra civil callejera. Tratando de escaparse de aquella realidad que tanto detestaba se emparó bajo la maihuana, a quien le rindió pleitesía en cada una de sus canciones.

Los Pericos en una de sus últimas postales con "Bahiano"

2) Hoy en día el Reggae no ha perdido vigencia por ningún motivo. Más bien en la actualidad parece haberse consolidado como un género clásico. Su popularidad se extendió incluso en el resto de Latinoamérica con representantes bastante relevantes como Los Cafres, Los Pericos y Cultura Profética. Asimismo en otros países salieron representantes menos relevantes pero más comerciales como Gondwana.
    Por el otro lado del continente sin duda Inglaterra fue el país que mejor asimiló la pegada del Reggae, llegando incluso a tener representates que alcanzaron una importante relevancia como Ub-40 de granpegada en los 80's y de Pato Banton que alcanzó cierto rebote en los 90's. Actualmente SOJA (Soldiers of Jah Army), una banda asutraliana de gran expansión comercial, viene marcando la pauta en el género a nivel internacional.  

Lista de sugerencias:

1)Bob Marley: http://www.youtube.com/watch?v=3VRGANguGQE&translated=1
2)Los Pericos: http://www.youtube.com/watch?v=lPXtl2drjE4
3)SOJA: http://www.youtube.com/watch?v=30GHWqX4OEo&translated=1 

POP BARROCO: la reivindicación del pop

Alabado por la crítica por sus meticulosos arreglos orquestales y por el permanente uso de instrumentos propios de la música clásica como violines, flautas, arpas y trompetas, el Pop Barroco aparece hoy como la alternativa que podría reivindicar al pop de aquella esfera de poluiretano en la que parece haberse sumergido gracias a la putrefacción que empezó en los 80's. En sus inicios, a mediados de los 60's, el sonido solía caracterizarse además de por las incursiones orquestales antes señaladas, porque su intermitencia traía un aire a rock and roll tradicional.
     En la actualidad el género, que si bien es cierto ha perdido popularidad de manera considerable, viene mostrando una evolución rítmica e instrumental bastante notable. Derivado del rock psicodélico de los 60's y rozándose acaloradamente con el art rock protozoario, el Pop Barroco logró acaparar bastante atención en Inglaterra y Estados Unidos.

    Además de voluble y hasta cierto punto indiferente, este género se las ha sabido arreglar para no morir y continuar en la actualidad sobre la escena musical. El nombre Pop Barroco proviene del "English baroque" que es el término que los americanos solían utilizar para referirse al pop británico a mediados de los 60's, debido al impacto que había tenido durante un tiempo The Zombies, la banda pionera del género.

1) The Zombies nació con los años 60's en Inglaterra como una banda de rock bastante ligada al pop y las influencias de la cultura beat que por aquellos años se diseminaba por todos lados a una velocidad bastante "lisérgica". Fue así como en sus primeros años, a la sombra de otras agrupaciones de mayor embargadura como The Beatles, tuvieron sus primeros éxitos musicales (éxitos que parecían ser notados solo por la crítica especializada) lo cual los llevó a emigrar a Estados Unidos, como parte de la Invasión Británica.
    De esa manera "The Zombies" (nombre de su primer LP) ganó cierta popularidad dentro de la crítica americana. Distanciándose de la cultura beat, The Zombies desarrolló una nueva manera de hacer pop, uno más elaborado y con una armonía que rompía la linealidad. Su canción "She's Not There" alcanzó un impacto relativamente elevado. 

2) Heredando el placer por la armonía bien producida, The Divine Comedy apareció a fines de los 80's con sonidos principalmente pegajosos. Simples, con una percusión efectiva y lineal, nunca llegaron a ser la banda del momento pero aparecieron como el respirador artificial de un género que nunca fue amigo del mainstream. Hoy en día su sonido ha evolucionado, siempre con el mismo perfil bajo, se han ido alineando bajo la manta del Indie que aparece arrasador dentro de la escena. Su influencia clara: The Smiths.

I'm From Barcelona: un insondable número de sonidos

3) Con 29 integrantes no se pueda más que esperar una ecléctica y entretenida gama de sonidos de una banda sueca que se las trae con una masa de instrumentos alucinante: clarinetes, saxofones, flautas, trompetas, banjos, tambores, guitarras de todo tipo, acordeones, teclados y un largo etc. I'm From Barcelona con apenas 5 años de existencia han alcanzado ganar popularidad en Europa, además de por su inusitada cantidad de integrantes, por su sonido bastante peculiar y sus tendencias claras hacia el folk. Son bulliciosos pero armoniosos, pareciera que guardan nostalgia de algún sonido pasado pero son alegres. Sin duda una apuesta llamativa, una manera más de mantener vivo al Pop Barroco.

Lista de Sugerencias:


1) The Zombies y su primer hit: http://www.youtube.com/watch?v=f5IRI4oHKNU&translated=1
2) The Divine Comedy haciendo gala de su ritmo pegajoso:  http://www.youtube.com/watch?v=cnY9ea_q3nI&translated=1
3) I'm From Barcelona y una folk armoniosa: http://www.youtube.com/watch?v=QEEQu5O00Ew

GARAGE ROCK: reciclando el sonido

Herederos directos de la Invasión Británica y del Rock and Roll de los 50's, The White Stripes y The Strokes han venido a sacar a flote nuevamente a un género que se había ido diluyendo con el correr de los años. El Garage Rock se caracteriza principalmente por presentar un sonido primitivo, que hace recordar a los inicios del rock. Una especie de estridencia minimalista que enerva las venas de su fanaticada.
    Un ejemplo claro de lo sencilla que es la música que representa al Garage es el hecho de que suelan usar tan solo los 3 instrumentos básicos de una banda de rock (al más fiel estilo de aquellas que nacieron en sus garajes): guitarra, bajo y batería. Que una banda busque desarrollar su música tan solo con esos instrumentos en el siglo XXI, y que no caiga en la tentación de los samplers y sintetizadores es todo un gran mérito.

1) A fines de los noventa, los ex esposos Jack y Meg White (que trataron de hacerle creer al mundo entero que eran hermanos) en la ciudad de Detroit, cuna del grunge a inicios de los 90's, cogieron una batería (Meg) y una guitarra (Jack) y formaron The White Stripes. Con composiciones simples pero contagiosas fueron ganándose un espacio considerable en la escena musical. Hasta que en el 2003 sacaron Seven Nation Army, una canción de gran impacto comercial, sobre todo por lo llamativo de su videoclip y lo cadencioso del ritmo. Con eso Elephant se convirtió en su álbum representativo y la banda se ganó un reconocimiento que hasta entonces ni sospechaban.
    Con el paso de los años y la aparición de otra canciones con cierta relevancia como Fell in love with a girl y The Hardest Button to Button, la banda se terminaría por consagrar. Fue en ese momento precisamente que Jack White se enfrasca en el proyecto de The Raconteurs, un grupo de Garage Rock con tendencias más inclinadas hacia el Hard Rock. Eso sumado a un cuadro de ansiedad aguda que presentó Meg ha ocasionado el abandonó de la banda estos últimos meses. Esperemos que solo sea por un tiempo.

2) Is This It, el primer álbum de The Strokes, guarda un sonido bastante relacionado el alternativo pero con la nostalgia que los músicos de hoy plasman en el post punk revival. Sin embargo, en el mismo disco aparecen canciones que muestran la sencilla irreverencia del Garage Rock, como Last Night y Someday.
    Lo cierto es que Julian Casablancas se ha mostrado en esta última década como uno de los frontman más representativos del rock. Todo bien mientras The Strokes siga reinvindicando la esencia del Rock and roll y ayude a que nadie olvide la Invasión Británica.

Asimismo cabe resaltar que en la actualidad hay otras bandas que están apareciendo con la intención mantener la misma línea minimalista y electrizante del Garage Rock. Aquí puedo nombrar a Razorlight y The Vines.

Sugerencias:

1) The Strokes: http://www.youtube.com/watch?v=4sYcscdNwhk
2) The White Stripes: http://www.youtube.com/watch?v=0J2QdDbelmY&translated=1

BRITPOP: los nietos de la invasión

A la escena musical de inicios de los 90's se llegó con una vorágine de géneros nunca antes vista: proliferaban el indie, new wave, punk y post punk. Ante este escenario parecía que se había perdido en el olvido lo que fue el primer gran golpe internacional del rock: la Invasión Británica. Aquel movimiento que predominó en Estados Unidos y que en su fragmento musical tuvo a The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Kinks como abanderados.

    Fue así como a inicios de los 90's nació Oasis, un grupo liderado por los hermanos Gallagher, claramente influenciado por The Beatles (tanto así que su primer nombre fue The Rain, por la canción). Nacido en Manchester, de donde viene el parentesco con el sonido Madchester, pegaron con canciones como "Supersonic" y "Cigarrettes & Alcohol". De esa manera iniciarían una carrera ascendente con canciones que se volvieron clásicas como "Wonderwall" y "Don't look back in anger", que hoy en día podemos encontrar como banda sonora de un sinnúmero de películas. 

    En paralelo, y tal vez generando menos bulla, aparecería The Verve, con un sonido que lindaba más con la psicodelia del rock espacial y las reminiscencias la música sinfónica. Indudablemente su mayor hit fue "Bitter sweet symphony", que alcanzó los primeros puestos en las listas a fines de los 90's. La banda sufrió muchos problemas relacionados a sus integrantes debido al problema con las drogas que tenía Richard Ashcroft, además de una serie de enfermedades debido a su delgada anatomía. Lo cierto es que en medio de toda esa volubilidad la banda se mantiene vigente, con un ritmo que a estas alturas muchos podrían dar por muerto. 

    Ante la aparición "rockandroller" de estas dos primeras bandas, salió una variante del britpop más ligada al dance y al pop. Con sonidos tildados de estrafalarios Blur se ganó un espacio, a punta de rarezas y sarcasmo, como lo podrán confirmar sus más grandes hits: "Girls and Boys" y "Song 2". 

    Asimismo vale recordar cuál fue la primera banda que apostó por la reivindicación de la Invasión Británica, que es la escencia de este género: Pulp, un grupo que nació a fines de los 70's y cuyo sonido evolucionó pasando del alternativo ochentero al soft rock de los 60's, en su afán por reivindicar a los abuelos de la invasión. 

Lista de recomendaciones:

1) Blur y su primer hit: http://www.youtube.com/watch?v=-BUU7ff3ntE&translated=1

2) Oasis y "Live forever", una de mis canciones favoritas: http://www.youtube.com/watch?v=v46hBp93HjY&translated=1

3) The Verve y una canción que podremos encontrar como fondo musicla de decenas de producciones audiovisuales (entre series y películas): http://www.youtube.com/watch?v=Oz9Pkgq0HwU

ART ROCK: la evolución perpetua

A fines de los 60's una gran masa de bandas aún no etiquetadas bajo la manta de algún género definido empezaron a realizar un estilo musical fuera de lo común, algo simplemente diferente que pasó a ser llamado experimental (que al parecer es el término favorito para todos aquellos que no ubican un sonido bajo un género).
    Dentro de ese listado resaltan grupos como Pink Floyd y The Velvet Underground. El segundo, con la evolución de los géneros fue encacillado en los dominios del proto-punk, acusándolos asimismo de ser los precursores del alternativo en Estados Unidos. Gracias a los nuevos sonidos que gestaron estos grupos fue naciendo en la escena un espacio para bandas dispuestas a "experimentar", fusionando géneros como la música clásica y el jazz con los sonidos más pesados de la psicodelia británica de los 60's.

    Fue en este contexto que nace una banda inglesa, envuelta en la suntuosidad del glam rock, para hacer frente a la horizontalidad de los géneros de aquel entonces: Roxy Music. Así fue que, a inicios de los 70's, de la mano de Brian Eno, pasaron a ser de una banda "experimental" más, a una de gran rebote comercial.
    El art rock, evolucionó con el correr de los años, relacionándose con los nuevos géneros que iban saltando a la escena en algunos casos de manera escandalosa. Sobrevivió la embatida del New Wave y el alternativo, gracias a la incursión hard de Jethro Tull, y pasó a inicios de los noventa a fusionarse complacientemente con la electrónica y el indie; saliendo ileso de la antigua relación que tenía con el rock progresivo.

En la actualidad, un claro ejemplo de esa funsión es Yeah Yeah Yeahs, una banda americana que liderada por Karen O ha sabido sobrellevar la evolución del género, incrementando su participación en la escena musical que abruptamente impone el mainstream.

En la actualidad el Art rock goza de una gran aceptación dentro del público juveniol, de tal forma que en muchos países se viene realizando festival del género.

Aquí dos videos que reflejan la evolución del art rock:

1)Roxy Music:  http://www.youtube.com/watch?v=OnV-agq0Yzw

2)Yeah Yeah Yeahs:    http://www.youtube.com/watch?v=oIIxlgcuQRU

NEW WAVE: el género de los 80's

De una escena musical dominada por el Hard Rock y el Punk nacería a fines de los 70's un género mezcla de del art rock, electrónica, pop y dance: el New Wave.

    Con el paso de los años se instaló como el género de bandera de los 80’s, a pesar de que Blondie, legendaria banda de los setenta, está instaurada como una de las pioneras del género. Instantáneamente, a inicios de los 80’s se daría a conocer The Cars, una banda New Wave cuyo sonido presentaba muchas reminiscencias del punk británico. Paralelamente en Estados Unidos surgiría The B-52’s, una versión del género mucho más dance, lo cual ya iba mostrando la diversidad de subgéneros con los que contaría el New Wave.

    Asimismo, con el meteórico despegue de The Cure –particularmente pienso que la mejor banda New Wave- el New Wave iba a pasar a ser algo más que un camaleónico género musical, sino también un estilo de vestir y en algunos casos una manera de vivir. Los aportes estéticos de Blondie, The B-52’s y Robert Smith hallaron su complemento con el posterior surgimiento de Duran Duran y Culture Club que revolucionó la escena con la figura andrógina de Boy George.

    Estas últimas dos bandas a su vez terminarían por dar a luz a un nuevo subgénero del New Wave, conocido como New Romantic, que se caracterizaba por la ropa glamorosa, la incursión de los sintetizadores y la gran cantidad de maquillaje, obra y gracia del legado que dejó David Bowie.

Por otra parte, dentro de la onda Post-punk que brilló con el nacimiento del New Wave brillaron bandas como Siouxsie and The Banshees, INXS y New Order, además de las ya renombradas The Cure y The Clash.

    Sin embargo, si hay un subgénero del New Wave que se caracterice por su vigencia ha sido sin duda alguna Synthpop, notoriamente influenciado por la electrónica, un subgénero que dio sus primeros pasos con Depeche Mode, una banda llena de hitazos, y los Pet Shop Boys, ambas bandas además claramente influenciadas por el Glam rock. A la postre este subgénero terminaría influenciando bandas contemporáneas como MGMT.

Así y todo el New Wave es un género que a la postre terminó instalándose en la mayoría de los géneros nacidos posteriormente a los 80’s. Muchos de sus intérpretes han mantenido una vigencia más que admirable. Casos como el de The Police, Billy Idol, EMF o Erasure no abundan en la mayoría de géneros musicales.

1)    The Cure y su más grande hit: http://www.youtube.com/watch?v=l8CDERzun4k&translated=1

2)     Duran Duran y sus videoclips pioneros y “lascivos”: http://www.youtube.com/watch?v=Jm4Xydn8_3g&feature=av2e

WORLD MUSIC: una apuesta globalizada.

Exótico. Es la palabra exacta para definir al World Music, un género contemporáneo que nació de la iniciativa de algunas discográficas por redefinir sus estrategias comerciales. Con la implementación de sonidos provenientes de diversas regiones, incorporándole tendencias actuales como el indie, se ha gestado un género diferente.  De la mano de la música tradicional y étnica, fusionándola se ha producido un fenómeno musical directamente relacionado con la globalización, sin lugar a dudas.

Dos casos en particular:

1) Deep Forest. A inicios de los 90’ Michel Sanchez, un músico de formación clásica, compró a la Unesco un sinnúmero de grabaciones étnicas realizadas por toda África. Con el paso del tiempo fue trabajándolas y mezclándolas con sonidos de electrónica, creando un género con muchos matices de ambiental. Muchas de sus canciones suelen ser el fondo musical que encontramos en muchos de centros comerciales, sin embargo pocos se han detenido a ver lo que realmente planea Deep Forest con su apuesta: reivindicar sonidos que de otra forma podrían perderse en el anonimato.  El siguiente enlace conduce a Sweet Lullaby, la canción que mayor acogida ha tenido Deep Forest hasta el momento: http://www.youtube.com/watch?v=vvnVdMpgQOk&translated=1

2) Convergencia. No solo es la palabra que Juan Pablo Robles nos tatuó en la mente para hacer referencia al periodismo digital, también es la que mejor le calza a la música que hace Zach Condon con Beirut. Se trata de la confluencia de un folk music con matices bastante europeos y de rancheras mexicanas. Dos polos totalmente opuesto, unidos por la creatividad de un joven de 26 años que se ha pasado toda la vida trabajando en una infinidad de géneros.

    Un experimento musical que va desde el uso de hojalata para la percusión, hasta la inclusión del ukelele, el acordeón, el violín, la mandolina, el saxofón, el bombardino y un sinnúmero de instrumentos con la finalidad de crear un sonido diferente, algo más que los refritos que nos muestran las discográficas.

    Con apenas cuatro años de vigencia, Beirut ya ha tenido dos álbumes y cuatro EP que han tenido buena acogida por parte de las discográficas. Con canciones como “A Sunday Smile”, “Postcards from Italy” y “Nantes”, se han ido ganando un espacio en una población que cada vez busca ampliar más sus horizontes musicales.  

El siguiente enlace conduce a "Postcards form Italy", uno de los hits de Beirut: http://www.youtube.com/watch?v=RjzVbXeD_8E&translated=1  

JEFFERSON AIRPLANE: EL SUEÑO PSICODÉLICO

A mediados de la década de los 60', cuando la cultura pop daba sus primeros pasos, un género musical vivía su apogeo: el rock psicodélico. Engendrado de la búsqueda de la "experiencia psicodélica" (aquella que solo se hallaba tras el consumo de mescalina, LSD o marihuana), dicho género, perpetuador del Peace and Love, se enfrentó a la Invasión Británica liderada en aquel entonces por The Beatles. 

    Dentro de toda esta urdimbre de bandas psicodélicas que proliferaron en las carreteras estadounidenses, montadas en camionetas floreadas y sueños vaporosos, hubo una que supo marcar una línea distinta. Con matices de folk rock y de hard rock Jefferson Airplane supo hacerse un espacio notable en la escena hippie de mediados de los 60'. Liderada implícitamente por la bellísima Grace Slick, Jefferson Airplane alcanzó a fines de los 60' un éxito comercial que ninguno de sus integrantes hubiera imaginado ni en el más delirante de sus sueños. Fue precisamente por aquel entonces que se concretó su participación en el histórico Woodstock 69'. Muchos de los testigos de aquel festival afirman que el momento en el que tocaron Volunteers fue uno de los más memorables en la historia del rock (http://www.youtube.com/watch?v=6ljxpyH4dnA&translated=1).

    Con el correr del tiempo la producción musical de Jefferson Airplane fue cambiando de rumbo, alineándose con las corrientes que se imponían a inicios de los 70’ (Hard Rock). Además de perder terreno ante la popularidad de Jimi Hendrix y Cream, ciertos líos sentimentales entre sus integrantes provocaron su declive. Años más tarde, Paul Kantner (fundador de Jefferson Airplane), intentó volver a las raíces psicodélicas con Jefferson Starship, una banda psicodélica que continúa vigente. 

El siguiente enlace conduce a la histórica presentación de la banda en Woodstock de 1969, interpretando Somebody to love y White Rabbit: http://www.youtube.com/watch?v=v_gg6JNLtXI&feature=related